工笔花卉类作品属花鸟画范畴，在我国有悠久的历史。历代出现过不少杰出的花鸟画画家，仅在唐、五代、两宋时期就产生了无数著名的花鸟画画家，如：边鸾、黄筌、徐熙、赵昌、赵佶等，他们都是各具独特风格的代表性画家，并有不少的作品被存储下来。他们的作品很有影响力，为后世所喜爱，这些珍贵的古代艺术品，是学习花鸟画的参考资料。我们可以通过对历代名家名画的研究，一方面可以吸收传统技法，另一方面还可以从中体会古人是如何在生活的基础上，经过艺术提炼，塑造出生动的艺术形象。
初学工笔花鸟画，要本着循序渐进的方针，一步一个脚印，不可操之过急。首先要解决造型能力，需不停地画，不停地观察、理解所画物象的结构和特点。然后要学会熟练地把持各种绘制技巧，以达到生动地塑造物象。还要不断地向传统或名家学习，提高自己的艺术修养，只有这样才能画出高水平的作品来。
生活是艺术的源泉，写生就是向生活学习，通过对所要绘制的自然的、变化多样的物象的观察、比较、综合和描绘，从而达到生动的、形象的表现，不但是绘画创作的重要步骤，还是艺术反映生活的桥梁。
写生的过程，可分为三个时期，即初期、中期、后期。不过在这里既不能规定每个时期的具体时间，也不能在每个时期间划一条什么界线，要看各人的具体情况而定。初期写生，宜选择简单的花卉进行，要求从规矩入手，逐步由简到繁，从易到难。这个时期主要着重于在懂得所画对象的结构特征的基础上，准确地描绘。一般是先选好所要画的花卉的角度后，在稿纸上先用浅淡的笔道勾画出大轮廓，一是注意构图，二是注意花朵与枝叶的比例，调整好之后，再以慢写的方法仔细地画出层层的花鯽，及多姿多样的枝叶。
这个阶段要反复地练习，画熟练了，就可以有意识地选择层次较多的花卉作为写生对象。中期写生要讲究剔繁去琐，即着重提炼取舍，并且与速写结合起来，以锻炼敏说的观察力和艺术的概括能力，大量的写生，也是为创作广泛她收集素材。一张好的写生作品，或几张相类似的写生作品，是不妨组织出好的创作稿子来的。后期写生多用默写，并着重于艺术形象的创造。这三个时期虽各有特点，而又是紧密联系的，都离不开观察、分析，离不开动笔描绘。写生用的纸张可以自由选用，只要能描绘就行，最好都裁成8幵，便于统一保存，为创作时用。
临摹是仿照他人（包括古人与今人）的作品来画，也是初学者的重要学习过程，通过临擊来学习传统章法、技法，汲取他人的创作经验，还可借以熟悉工具材料的运用。临摹分“临法”和“摹法”。而临法中有“背临”与“对临”两沖方法。“背临”是将看过的别人的画，凭着记忆去绘制。这种临法，适用于写意画作品。“对临”，即对着范画，一笔不苟地还是画。摹法系先将稿纸蒙在画上，依样脱下稿子（有时需要借助拷贝灯），然后将稿子衬在绘制的稿纸下面，（临摹作品所用稿纸，一般以原作为准，大多采用熟宣纸或矾絹）再对照范画仿画。这样的摹法最适用于对历代名画的印刷品的摹仿，但对当代或近代的作品切不可用此法，因原作者享有著作权。
然而，无论是临还是摹，在具体动笔前，都要仔细观察原稿，这也称为“读画”，即是要将原画从内容到形式，从处理题材到表现方法，加以仔细分析，做到动笔时“胸有成竹”。
工笔画作品一般都有“稿子”，也称“草稿”、“大稿”，即用铅笔在图画纸上绘制的。一张完整的工笔花卉画稿，代表着这件创作作品曾经完成了一半。能够独立完成工笔花卉作品的创作稿子，是代表该作者的绘画水平已从初学阶段，进入创作阶段。
幵始工笔花卉作品的创作之初，需先确定作品刻画的内容，在着手完成稿子之前，则要考虑好构图。构图就是把画面中的描绘对象的位置和气势布置妥帖，根据艺术规律和造型特点安排画面，进而更好地表现内容。解决构图问题，可分两步走，一是动笔前，在小纸上多画几种“小草图’二是在起“稿子”的过程中反复修改，以达到所要追求的艺术效果。
构图在中国画传统理论中就非常重视，被称为“章法”、“布局”。魏晋时期南汽的著名画论家谢赫在《画品》中，曾首次提出绘画之“六法”，此中的“经营位置”即在指构图的重要。一张好的花卉作品，尽管写生素材的形象生动，线条优美，而构图不好，仍然不能成为一幅好画。
构图的一般规律，就是不能拘守某种定式，而是跟着内容的需要变化无穷。
处理构图时，首先要突出主题，宾主呼应。一个画面要表达一定的主题思想，在结构上就要有主有从，不能主次不分地平均对待，更不能宾主倒置，喧宾夺主。例如：画牡丹，花朵就是主题，因此在构图时要把花朵精彩地、突出地部署在画面的显要位置。其余的枝干叶蕾虽是次要部分（即所谓“宾”），但决定着画面的伸展、气势，也得戡酌处理得当，使其宾从主用。这样，画面就能主次分明，花朵枝叶还能产生出相互顾盼的情趣。
处理构图时，还可以利用矛盾，就是使画面在变化中求得统一，在统一中求变化。统一是指画面的整体气势，变是指结构上的多样，画花卉最讲究整体魄力，但也要有花叶枝蔓等结构上的变化。一幅画只有统一而无变化，就会单调、呆板；只有变化而缺乏统一，就会使观者感到零乱、散漫。
另外，变化是由两种或两种以上不同的艺术效果邻接而产生的，所以又称是对比的艺术手法，像大与小、疏与密、繁与简、浓与淡等等，都能产生不同的艺术感染力。例如：画盛幵的牡丹花朵，阁下相应地伴有小花蕾；几个花朵置陈在一块儿，要有大小、高低、向背的不同；枝叶的分布要有聚密的地方，也有疏散的地方，称为“疏可走马，密不透风”。
初学构图，往往容易忽视空白的重要性，其实空白也是一幅画的组成部分。空白留得好，有“虚实相生”的艺术效果。
以上仅仅是构图中的几个主要方面，另外，不同的构图还要与不同的花卉相适应。画铅笔“稿子”时还要注意将枝叶的来龙去脉交代清楚，并提前留出题款的地方。这些问题都解决好了，一张成功的“稿子”也就完成了。
工笔画分白描、重彩、没骨。相对来说工笔重彩刻画最细致真实，最适合具体的表现对象。勾线和色是工笔重彩画的制作技法。因为每个人对生活的认知不同、艺术感觉也不同，所以，即便同一张“稿子”，经不同画家之手完成，也会产生不同的艺术效果。因此，学习者在学习技法的过程中，还要不断体会、总结不同的技法的艺术表现力。
勾线，在工笔重彩画的创作中非常重要，因为所绘对象的形、质、情态都靠用线来刻画。线由运笔生成，工笔重彩画一般常用的运笔方法，有中锋和侧锋两种。因而由于运笔方法的变化，线条也出现了不同的艺术效果。利用线条的变化规律，来塑造不同的物象，是学习工笔重彩画的作者要逐渐达到的境界。古代从人物画中总结出了“十八描”，就是为了表现画中人物及衣饰的质感、量感和各种神态，所用的18种不同样式的线。画花卉也是如此，常利用线条的流畅与苍劲、浓重与浅淡、疾与徐、虚与实，以及转折、起伏等变化来表现不同的形与质。如：牡丹花瓣是柔嫩的，就适宜用柔而淡的线条刻画；荷花含水量高，花瓣挺抜，就适宜用硬而细的线条刻画；木本植物的枝干较硬，可用浓重、刚劲的线条；萱草叶长而姿态多变，可用轻重、起伏、转折等多变的线条塑造。
勾线的好坏，选用的毛笔是重要的因素。一般有：红毛笔（分大、小号)、衣纹笔、叶筋笔等等，现在还有一种笔尖有长锋的狼毫笔也非常好用。选用时挑选那些笔锋有尖、有弹性的，要好用一些。
分染、设色的基本要求，早在魏晋时期，南齐的著名画论家谢赫在《画品》中，就曾提出过，他总结的绘画“六法”中之“随类赋彩”，即在强调用各沖色彩来表现不同的物象。色彩是工笔重彩画表现力的重要因素，正确地运用，能明确地表达一定的构思，加强画面的感染力。反之可使一幅构图很好的作品归于失败。用色优劣，常随作者的感觉、好恶和艺术水平等不同而各异，因而，古人有“妙设众色无定法，妙合众色无定方”之说。
绘制工笔花卉作品的着色方法很多，常用的有“分染法”和“罩染法”。“分染法”，就是在勾出形象以后，用颜色染出深浅变化和花叶的正反关系。方法是，用两支羊毫笔，一支笔薩颜色、一支笔纏清水（薩色的那支等，笔锋一定要有尖），夹在右手的拇指、食指、中指之间，并要做到能将两支笔在三个手指间熟练地交换。“分染”时，先用蘸有颜色的笔，涂染需要颜色重的地方，再用薩清水的笔，将颜色润幵，反复多次，使颜色达到由深到浅，再到无的效果。“罩染法”用在“分染”完成后，大面积地“罩染”花朵或叶子的固有色。之所以称这道工序为“罩染”，是因为此时不可平涂，也要一遍遍地根据需要来渲染。
最后是点花蕊，并统一地对全画的素描关系加以调整。这样一件作品就完成了。
我在创作工笔画作品时，不赞成最后再“复勾”（“复勾”指最后用墨或色在原来勾线的地方再勾一遍)。最初勾勒的墨线有“力透纸背”的艺术效果，而“复勾”的线容易使人感到“浮”。所以，分染时每一遍颜色涂得要薄，多画几遍，不要一次浓色就把墨线吃掉。
由于版面有限，在此只介绍了一些技法的基本规律和创作的一般法则，希望能对大家有用。但是学习工笔画还是要靠学习者自己多发挥主观能动性，灵活运用，掌握技法，做到举一反三，扩而充之，从有法到无法，便受用不尽了。
